Thelma y Louise son dos amigas que un día deciden emprender un viaje en coche para olvidarse por un rato de los problemas cotidianos. Todo va bien hasta que una de ellas (Louise) asesina a un hombre en un bar, después de que este intenta violar a su amiga Thelma.
Es una película que nos deja a los tíos a la altura del betún. La película se complica cuando asesinan a ese hombre en el bar. A partir de ese momento, solo pasan cosas negativas a ellas e intentan escapar de la policía. Durante la película, hay un poli que hace lo que puede por salvar a las dos mujeres que persigue, es el único personaje no machista junto al enamorado de Louise (al menos para mí).
Ambas protagonistas intentan llegar a México, pero son perseguidas por unas escuadrillas de coches de policías y finalmente viendo que no tienen escapatoria alguna, deciden precipitarse por los Cañones del Colorado con el coche y muriendo en el acto.

El paisaje es una elemento icónico muy perseguido por el director. Existe una gran relación entre paisaje y estado de ánimo de los personajes en ese momento. Los ejemplos claros se ven en paisajes oscuros, que marcan un momento de peligro o algo inesperado que va a ocurrir. El director usa mucho los traveling, es simplemente un plano con movimiento de cámara, desplazando asimismo esta. Se utiliza cuando se quiere perseguir a un objeto en movimiento, es el caso del principio de partida del viaje; donde se ve la cámara a lo lejos cogiendo a la carretera de lateral y enfocando al coche.El paisaje es el elemento icónico más significativo de la película y que en ocasiones te da a conocer con antelación lo que va a ocurrir; es el caso de los planos oscuridad, donde ya se sabe que algo bueno no se espera.
En muchas ocasiones en la película, aparece un camionero que empieza a incordiar con palabras y comentarios absurdos y de infantil, con intención claramente de persuadirlas para llevárselas a pasar un buen rato de sexo o simplemente para molestar. Estos camioneros les llama la atención de cómo dos muchachitas vayan solas con un coche a altas horas de la noche o de día, es un símbolo claro del machismo que hay en las carreteras. Finalmente este camionero se le da su merecido explotándole su camión e incluso se le ve que es estúpido porque Thelma y Louise se meten con su madre y ni siquiera se da cuenta. El sólo considera como prostituta a todas las mujeres menos a su madre y a su familia.
Para mi la carretera es el elemento icónico más significativo y donde ocurren todo tipo de cosas; desde los signos fálicos, autostop y recogida de hombres como el caso de J.D ( Brad Pitt). También es donde se utilizan el plano traveling, enfocando a la carretera y ese largo viaje y a las dos protagonistas.
En mi comentario personal ha sido una película muy buena, bonita y entretenida. He aprendido a apreciar las películas, sólo me gustaban las películas de acción y de cachondeo y si no llega a ser por la asignatura, jamás hubiese visto ésta pedazo de película. He aprendido entonces a ver y apreciar otros tipos de películas que no sean de acción y saber analizarlas.

EL BUENO, EL MALO Y EL FEO

La historia trata de un par de estafadores se dedican a timar a las autoridades. El personaje del feo alias el Tuco es perseguido por numerosos crímenes, es atrapado y entregado a la justicia por un caza recompensas. El personaje del bueno conocido como el Rubio, su cómplice de fechorías, quien lo libera de la horca a último momento para huir y repartirse el botín. Pero una serie de mutuas traiciones y desventuras los llevan a cruzarse en el camino con Bill Carson, un soldado confederado malherido. Antes de morir, les dice a ambos dónde se encuentra escondido un botín de 200.000 dólares en monedas de oro. El problema es que uno de los criminales conoce el paradero un cementerio y el otro sabe en qué tumba se encuentra enterrado el oro. Mientras tanto, un corrupto sargento de la Unión es el personaje del malo conocido como Ojos de Ángel se encuentra tras la pista de Carson. Y no pasara mucho tiempo antes de que sus caminos se crucen en el trayecto hacia el botín escondido, finalmente un duelo en triángulo en el círculo central empedrado del cementerio.

Los rasgos muy particulares que hacen notable al film, en primer lugar, todos los personajes son grises en distintas tonalidades. No hay héroes sino villanos de mayor y menor. Tuco y el Rubio son estafadores, cínicos y crueles, que se ven mejores que el personaje del malo Ojos de Ángel, que representa una fuerza totalmente siniestra que solo le interesa el mismo, aprovecharse de los demás.

El nombre de la película hace referencia a cada uno de los personajes predeterminando desde el inicio quien es el bueno, el malo y el feo. Los tres personajes tienen su característica en particular, como el Turco es el sudoroso mexicano, siempre esta sucio, desalineado, con barba, despreocupado de su apariencia, no tiene modales su manera de hablar es muy torpe siempre esta gritando, siempre esta fanfarroneando, sus rasgos físicos es desfavorable, carece de belleza, es por ello se le nombra el feo.

El bueno es limpio, viste de manera sencilla pero siempre arreglado, portando su sombrero de vaquero, por lo regular fumando, tiene un aspecto de forastero, su manera de hablar es sensata, sus rasgos físicos son más sutiles, es por ello que se le nombra el rubio por ser blanco y de cabello rubio.

El malo un hombre que porta un uniforme del ejercito, que carece de bondad, de cualidades positivas, de moral, lleva una mala vida, solo le interesa el poder y el dinero. A pesar que sus ojos son de color metafóricamente como el de un ángel, pero eso no lo hace ver como gente buena ya que siempre sus intenciones son malas, es por ello se le nombra ojos de ángel, pero sigue teniendo intenciones malas.

Son personajes rastreros que se traicionan constantemente una y otra vez, desconfiados, pero a pesar de eso a pesar de quererse matar uno al otro entre el bueno y el feo, terminan colaborando juntos aunque el Turco siempre está viendo la manera de traicionar al rubio. Los dos están juntos por conveniencia para recuperar el oro enterrado.

En cuestión técnica hay numerosos primeros planos, los personajes se encuentran en pose casi todo el tiempo, a la vez hay tomas de planos generales realmente largos y estilizados
En la película hay cierta alteración del espacio y tiempo, ejemplo Tuco y el Rubio vuelan el puente, se agachan para protegerse de la explosión, y en dos minutos las fuerzas militares se aniquilan mutuamente; o cuando Tuco huye de los cañonazos de el Rubio y aparece súbitamente en la escena del cementerio, se supone que debería haber resultado visible desde lejos.

Pasando otra perspectiva que toma la película se ve el factor de la violencia, que resulta bastante gráfica, como por ejemplo en la escena de la golpiza a Tuco en el cuartel de la Unión. Otra de las escenas cuando Turco está tomando una ducha en la tina, llega otro personaje a quererse vengar de el, pero turco lo sorprende disparándole con una escopeta, la manera de cómo lo hace y a la vez de los 4 disparos que le da.

Cada uno de los personajes tiene su manera de obtener lo que quieren para sobrevivir su forma de vida.

Los objetos que se muestra en la película y que es fundamental para que sea realmente una película del oeste se caracterizan por los sombreros tejanos, pistolas, chalecos, caballos, desierto, calle. A la vez la soga comúnmente la utilizaban para ahorcar a personas que eran condenadas por corromper la ley. En tres ocasiones se mostró en la película cuando amarraban al personaje el turco con una soga para intentar ahorcarlo. Cada detalle son características del Western

LA MALA EDUCACION

Almodóvar ha dicho que a través de esta película pretendía denunciar una educación basada en el miedo al castigo del infierno y en el temor a la culpa, con lo que la película adopta aires de ajuste de cuentas con el pasado. Ciertamente no es ése el modo de educar para la vida –tampoco para la espiritual–, pero no es mejor el que busca acallar la con-ciencia hasta que el bien y el mal, el amor y el egoísmo resulten del todo irreconocibles. Y vista la película, ese parece ser el derrotero tomado por esos niños ya crecidos, que han machacado su conciencia para incorporarse al grupo de los hedonistas, en palabras del niño Enrique. En definitiva, el mundo retratado por Almodóvar es oscuro y pesimista, donde el individuo se queda solo e indefenso ante la pasión y el deseo, hasta el punto de convertirse en víctimas que más que nada mueve a la piedad.

Un análisis detallado deja ver una repetición de los temas habituales en cintas anteriores, y especialmente a los que ya están presentes en "La ley del deseo". Ahora, una primera parte más evocadora y sugerente –en que se nos narra un pasado traumático de Ignacio ante los abusos del director del colegio– deja paso me-diada la cinta a una auténtica historia de cine negro, donde crimen y chantaje, amor fatal y sexo patético se suceden hasta anular toda sombra de lirismo y esperanza. La deriva hacia lo tórrido y depravado alcanza entonces umbrales caricaturescos, en los que a Almodóvar se le va la mano y se deja llevar por lo explícito y tosco. Porque la tesis –y da la impresión de que el motivo de ser de la película– es culpar y responsabilizar de la degradación de Ignacio o Enrique a la represión/moderación del deseo y al sentido de culpabilidad originado por la mala educación impartida por los “Padre Manuel” de turno, en un juicio injusto e irresponsable por lo que de particular y excepcional tiene

EL ARO I

A la periodista Rachel Keller (Naomi Watts) le llega la noticia de que cuatro adolescentes han muerto misteriosamente siete días después de visionar una cinta de video. Indagando las causas de las muertes, descubre una leyenda urbana que cuenta que hay una cinta de video, repleta de imágenes terroríficas, a la que después de visionarla se produce una misteriosa llamada telefónica. A los siete días de la llamada todo aquel que la vió fallece. Su curiosidad la lleva a rastrear la pista de la cinta hasta que la encuentra. Después de verla, una serie de hechos vertiginosos la llevarán a pedir ayuda a su amigo Noah (Martin Henderson) para salir con vida antes de los siete días.
La niña es un alma en pena y con el video trata que descubran la verdad de su muerte, si no la descubres a los 7 dias mueres, es una especie de venganza. El hecho es que ella quiere que la entierres para poder descansar en paz, en el video te da la clave de donde está su cuerpo y porque le paso todo eso y como.

EL CHICO

El entrañable Charlot logra, como nunca, removerme por dentro con sus vicisitudes al hacerse cargo de un bebé abandonado por su madre, que no puede cuidar de él. El pobretón, tierno, romántico, pillo y optimista Charlot resulta ser el padre ideal para el niño. Aunque no tiene bienes materiales que proporcionarle, sí le da lo más importante: un gran amor. Juntos forman un equipo simpático y bien compenetrado, urdiendo medios para salir adelante. La más que conseguida ambientación de miseria del entorno en el que viven se muestra de un modo desenfadado, sin pretender cargar las tintas ni dramatizar en exceso con respecto a las muchas carencias que padecen. Chaplin siempre sabe crear un tono que no se regodea en lo dramático, pero que no se priva de desbordar los sentimientos más bellos. Cuando uno ve al padre y al hijo, cuando palpa ese amor que se tienen, cuando uno advierte que todas las riquezas del mundo son inútiles si falta un cariño como ése... Cuando te das cuenta de que ese niño posee la mayor riqueza, que es el corazón de un padre, todo lo demás es secundario... Juntos, podrán ir tirando mientras comparten lo más hermoso que existe en esta vida.
El pequeño se muestra tan convincente, transmitiendo tanto amor hacia su padre, y Charlot tan entregado como progenitor abnegado que defiende y protege a su hijo ante viento y marea, que a una se le parte el alma.
Y, para completar la fuerza emotiva del film, están la fotografía y los efectos visuales, fantásticos para la época, la ya nombrada ambientación que refleja el submundo de los desheredados, y la impecable música compuesta por el mismísimo Chaplin. Pero, ¿este hombre hasta sabía componer música? Desde luego, la genialidad le brotaba en todo aquello que emprendiera.
Un artista y creador de ilusiones como la copa de un pino.
Cuando has visto esta preciosidad, tienes la impresión de que ha pasado un ángel.

analisis de la pelicula irreversible

Unos créditos que juegan con tipografía y con el orden temporal habitual nos muestran desde el inicio (en caso de que aún haya dudas después del escándalo que representa la proyección de esta cinta desde su presentación en Cannes) que no hay concesiones: el objetivo es impactar, causar reacciones, conmocionar al espectador y sumergirle en una historia con múltiples lecturas, donde resultarán desde las que están en contra de su proyección, hasta las que la elogiarán como cinta y como una dura lección visual.

¿La causa? Dos secuencias de mucha –mucha- violencia: la violación (nueve minutos con los cuales se puede llegar a llorar, y con los que la gran mayoría enmudece en la sala) y un acto de venganza en el que se destroza una cabeza, literalmente, y donde tampoco se ahorran los detalles.

Con una muestra violenta -en muchos sentidos- que golpea brutalmente los ojos y el alma, y que ofrece una de las primeras medias horas más duras que se han visto jamás, es obvio que se trata de una cinta en la que se requiere saber qué es lo que se verá, y entrar con voluntad de cuestionar y tomar decisiones sobre lo que la pantalla muestra y grita a su manera.
me limito a lo técnico, la propuesta tiene una valía tremenda: desde una narración en sentido contrario (pero irreversible) hasta una elección musical poderosa (la música de Beethoven mezclada con temas de Thomas Bangalter), pasando por una cámara que tiene vida propia (quizá algo excesiva en ciertos momentos) y una elección de planos secuencia largos que persiguen o se limitan a una estática dolorosa y profunda. La edición es muy trabajada también, y la fotografía está muy cuidada.
En esta temática, las ideas que sí pueden cuestionarse es la idea de un bar gay como fondo, pues el detalle es en parte pretexto para golpear con escenas de un sitio al que no muchos desearán entrar, pero que viene un tanto excesivo como idea: el sitio puedo haber sido cualquier otro, lo que no puede decirse del resto de la historia. La parte del embarazo como añadido también es un elemento que muchos cuestionarán, pues la idea de estabilidad rota ya está propuesta sin necesidad de agregar ese juego (lo que no puede decirse, por ejemplo, del triángulo de la ex-pareja de Alex, que sí es un elemento que añade mucho a la narración).

la vida de Oharu

Ambientado en el Japón del siglo XVII, este drama clásico narra la historia de Oharu, antigua dama de la corte que cae en desgracia por enamorarse de un hombre de posición inferior a la suya. Será el inicio de una vida plagada de penurias y amargura que terminará con ella volviéndose una cortesana. Considerado uno de los más grandes melodramas jamás filmados, este filme contó con la poderosa actuación de Kinuyo Tanaka como Oharu y con la dirección de Kenji Mizoguchi, director que, en su sabia y amorosa mirada sobre las mujeres, se adelantó varios años a gente como Almodóvar, por ejemplo.
La película se desarrolla en el siglo XVII, muestra parte de las costumbres de la sociedad japonesa en la corte y dentro de la familia. Se aprecia el tratamiento de las clases sociales y las diferencias de género y el valor de la mujer dentro del nucleo familiar y la comunidad.La historia es triste, a la pobre Oharu no le fue bien en esta vida, nada tenía buen resultado.. cuando parecia que su vida de prostituta quedaría en el olvido, tuvo quer retomar otra vez ese camino

analisis de Akira

La historia comienza con un prólogo que anuncia el final de Tokio bajo la 3era Guerra Mundial en 1988 (mismo año de producción de la película). De esta manera, la película empieza tres décadas más tarde en la ciudad de Neo Tokio, una urbe violenta, controlada por los militares, en donde subsisten separados dos subgrupos rebeldes y alborotadores: las pandillas de jóvenes motociclistas y los seguidores de Akira. Akira en la película se explica que es una especie de energía, de poder y se sobreentiende que probablemente fue lo que acabó con Kioto. Los restos de Akira son guardados celosamente por los científicos militares, quienes en el presente continúan haciendo pruebas con otros seres humanos que tienen poderes psíquicos. Las representaciones de estos seres son realmente perturbadoras, al menos para mí: niños azules avejentados. Creepy.La pandilla de motociclistas de Kaneda (el personaje que aparece en el afiche) entra en el juego cuando uno de sus compañeros, Tetsuo, es secuestrado por los militares... No cuento más de la historia para no caer en el spoiler y porque creo sinceramente, que ésta, es una película que los cinéfilos deben ver cuando tengan la oportunidad.Se dice de Akira, que es la inspiración de los hermanos Wachowski para The Matrix. No es difícil vislumbrar como esta pesadilla animada llamada Akira sirvió de influencia para esa y otras películas de corte futurista, en donde los seres humanos están sometidos a fuerzas que no puede controlar.Me gustó mucho el nivel de detalle de las animaciones y los efectos de tercera dimensión, dignos del siglo XXI. Las escenas de explosiones son visualmente impresionantes.Akira, como muchos animes, está basado en la novela gráfica (manga) de 2,000 páginas de Katsuhiro Otomo, el mismo director del film.Hay que tener en cuenta que animación no significa por defecto que esté dirigido a un público infantil. Akira es una película bastante fuerte y violenta, no apta para niños.